Cette leçon décrit le terme “musique électronique” et donne des exemples d’instruments, de styles et d’artistes qui entrent dans cette catégorie. Nous verrons également comment la technologie a influencé la production musicale aux XXe et XXIe siècles.
En quoi consiste la musique électronique et comment fonctionne-t-elle ?
La musique électronique est omniprésente dans l’Amérique du XXIe siècle, et on peut la voir dans des festivals de plusieurs jours comme l’Electric Daisy Carnival, sur les radios du top 40 et dans diverses publicités. La musique électronique a une histoire longue et complexe, allant de l’obscure musique expérimentale d’avant-garde aux scintillantes salles de bal disco.
Comme son nom l’indique, la musique électronique est un morceau créé à l’aide d’instruments électroniques et est mieux comprise que les catégories de musique acoustique ou traditionnelle telles que la musique classique, le jazz ou la musique folklorique. Mais au 21e siècle, il peut être difficile de distinguer la musique électronique de la musique non électronique, car des styles tels que le classique, le jazz et le folk sont souvent enregistrés avec la technologie numérique, amplifiés avec des microphones et transmis sur Internet.
En gardant cela à l’esprit, nous pouvons voir comment la musique électronique a émergé des extraordinaires révolutions des ordinateurs, de l’électronique et de la technologie numérique au 20e siècle. Des architectes, des inventeurs et des musiciens pionniers ont conçu des appareils capables de créer une musique auparavant inimaginable au 20e siècle.
La musique électronique dès le début
Leon Theremin, un guitariste et inventeur russe, a inventé le thérémine en 1920. Lorsqu’un musicien déplace ses mains autour du thérémine, des champs électromagnétiques produisent des sons de différentes hauteurs. Les thérémines ont un son fort et strident, popularisé dans les films d’horreur et de science-fiction dans les années 1950.
Plusieurs inventeurs ont travaillé sur différents modèles de ce qui allait devenir des instruments synthétiques dans les années 1930 et 1940. Ces instruments électroniques étaient conçus pour imiter le son des orgues et d’autres instruments traditionnels, mais ils ont rapidement été reconnus comme des instruments de musique distincts à part entière. Dans les années 1940, le mouvement musical d’avant-garde connu sous le nom de musique concrète a utilisé des dispositifs électroniques pour influencer les formes ultérieures de musique électronique.
Bruce Haack, un musicien canadien très imaginatif qui est apparu à plusieurs reprises dans l’émission télévisée Mr. Rogers Neighborhood avec ses divers appareils dans les années 1950 et 1960, a commencé à créer de la musique électronique initialement destinée aux enfants. Robert Moog a commencé à fabriquer sa populaire série de synthétiseurs dans les années 1960, et ceux-ci allaient révolutionner le monde de la musique électronique. Aujourd’hui, les synthétiseurs Moog sont toujours utilisés.
Les débuts du disco et des machines à musique
La musique électronique a connu l’innovation, le développement technologique et le succès à la fin des années 1960. À bien des égards, cette ère de progrès allait être parallèle aux avancées technologiques dans d’autres domaines, tels que les ordinateurs personnels et les jeux vidéo. Après s’être installé en Allemagne, Giorgio Moroder, musicien d’origine italienne, est devenu une figure clé du développement de la musique de danse électronique, en particulier du sous-genre Italo disco. À la fin des années 1960 et au début des années 1970, l’Allemagne était un foyer d’expérimentation musicale, notamment dans le domaine de la musique électronique. Des groupes ont utilisé des synthétiseurs et d’autres instruments électroniques, notamment Kraftwerk, Tangerine Dream, May et Suicide, pour transformer la musique rock en de nouvelles formes, encourageant de nombreuses personnes dans le monde entier à expérimenter la musique électronique.
Selon l’ethnographe et théoricienne de la culture Sarah Thornton, l’espace où les fans regardaient la musique électronique dans les années 1970 était aussi crucial que la musique elle-même. La discothèque, dont le nom a été raccourci par la suite, était l’endroit où un DJ jouait les nouveaux disques de danse électronique et où les fans dansaient en rythme. C’était l’endroit où la technologie régnait en maître, sans restrictions ni coûts pour créer un groupe en direct. Ces environnements axés sur la danse ont ouvert la voie à la culture des raves et des clubs.
Au milieu des années 1970, la musique disco a atteint le sommet de son succès. Les synthétiseurs électroniques et les boîtes à rythmes ont fusionné pour créer un style de musique dansant qui est rapidement devenu populaire dans le monde entier. La version européenne, dirigée par Giorgio Moroder, était lourde en synthétiseurs et avait une consonance futuriste. En Amérique, le disco était beaucoup plus influencé par le funk, la soul et d’autres styles afro-américains. Selon certains, le succès du disco aux États-Unis a décliné au début des années 1980 en raison du sexisme et des préjugés.